Возможно, у таких художников остаются только автопортретные наброски времен их ученичества, когда они осваивали разные стороны мастерства живописца, в том числе и портрет, а самой доступной моделью для них были они сами.

Некоторые художники, напротив, пишут свои автопортреты всю жизнь, и мы можем проследить, как безбородый юноша превращается сначала в мужчину в самом расцвете сил, а потом и в дряхлого старца со взглядом философа. Самым заметным явлением такого рода можно считать автопортреты Дюрера и Рембрандта.

Но если смотреть на проблему автопортрета шире, то художник самовыражается и занимается самопознанием не только изображая свое лицо. Все его творчество – это автопортрет, поскольку оно отражает взгляды художника на самые разные явления и, соответственно, более всего проявляет его личность. Поэтому, чтобы понять художника, не обязательно увидеть его лицо, но нужно обязательно увидеть и познать его творчество.

Начало этой коллекции положил кардинал Леопольдо Медичи, когда приобрел большую часть собрания автопортретов римской Академии Святого Луки, а затем начал покупать автопортреты современников. В XVIII веке герцог Пьетро-Леопольдо I купил целиком соответствующее собрание аббата Пацци. Кроме того, сами художники начали по собственной инициативе присылать свои автопортреты в Уффици или, что было гораздо престижнее, получали заказ от галереи на их написание. Это обозначало высшую оценку их творчества.

Кроме итальянских мастеров, некоторые из которых действительно получили мировое признание, а некоторые оказались напрочь забыты, в галерее можно увидеть и автопортреты многих наиболее значительных европейских художников. Там представлены, например, Дюрер, Рембрандт, Веласкес, Рубенс, Буше.

Из русских художников заказы на автопортреты получили всего пятеро, и выбор итальянцев нас может удивить. Первым был Орест Кипренский (1782–1836), который представил свой автопортрет в галерею в 1820 году. Это понятно, поскольку он тогда жил и работал в Италии, и итальянцы по достоинству оценили его редкостное художественное дарование. Следующим был Карл Брюллов (1799–1852), тоже хорошо известный в Италии. Он получил заказ в 1831 году, но свой автопортрет так и не закончил.

Далее заказы на автопортреты получили Иван Айвазовский (1817–1900) в 1874 году, который со своими морскими пейзажами был к тому времени звездой международного значения, и Борис Кустодиев (1878–1927) в 1912 году. Впрочем, Кустодиев тоже некоторое время жил за границей, довольно много выставлялся в Европе и даже был членом некоторых международных художественных объединений.

БОРИС КУСТОДИЕВ. АВТОПОРТРЕТ. 1912

Из всех советских художников чести быть представленным в галерее автопортретов Уффици удостоился единственный мастер – Виктор Иванов в 1983 году. Виктор Иванов (род. 1924) – представитель так называемого «сурового стиля», писал много картин на темы из жизни советской деревни, а также портреты и пейзажи.

Впрочем, есть в галерее Уффици и несколько автопортретов мастеров, которых тоже с определенной долей условности можно было бы назвать русскими. Это художники-эмигранты: Марк Шагал, Алексей Исупов, Борис Заборов.

Бывает по-всякому, в зависимости от художественного стиля, в котором работает пейзажист.

Пейзаж как самостоятельный жанр искусства появился только в XVI веке. До этого фрагменты, изображающие природу, море или город, можно встретить только в качестве фона в портретах, религиозных или мифологических композициях, и по большей части это был пейзаж вымышленный. Например, в эпоху Ренессанса спокойный гармоничный пейзаж часто становился фоном портрета, подчеркивая гармонию внутреннего мира персонажа. Такой великолепный горный пейзаж, разумеется, идеальный и фантастический, можно видеть за спиной у Моны Лизы на знаменитом портрете работы Леонардо да Винчи.

КЛОД ЛОРРЕН. РИМСКИЙ ПЕЙЗАЖ. 1639

Когда пейзаж окончательно стал самостоятельным жанром, то его развитие продвигалось в единственном направлении: от пейзажа построенного, то есть выдуманного художником в соответствии с художественными принципами барокко, классицизма или романтизма, – к пейзажу естественному, написанному с натуры и на натуре (на пленэре). Иначе говоря, генеральная линия развития европейского пейзажа шла от французов Клода Лоррена (1600–1682) и Никола Пуссена (1593/94–1665), через открытия представителей романтического пейзажа англичан Джона Констебла (1776–1837) и Уильяма Тёрнера (1775–1851) к Камилю Коро (1796–1875), барбизонцам и, конечно же, к импрессионистам.

УИЛЬЯМ ТЁРНЕР. СОВРЕМЕННЫЙ РИМ – КАМПО ВАЧЧИНО. 1839

Впрочем, на натуре работали все художники-пейзажисты, а потом свои зарисовки и эскизы они превращали в законченное произведение уже в мастерской, придавая изображению природы нужный дополнительный смысл, строя композицию исходя из требований стиля, в котором работали. Вероятно, только мастера ведуты – особого жанра городского пейзажа – старались не приукрашивать и не менять городские реалии. От них как раз требовалась максимальная точность и достоверность изображения (фотографию же тогда еще не изобрели). Крупнейшими мастерами ведуты были итальянцы Антонио Каналетто (1697–1768) и Бернардо Беллотто (1720/21–1780), поработавшие, вероятно, при всех крупнейших европейских дворах XVIII века, а в России этой же эпохи лучшим мастером городского пейзажа стал Федор Алексеев (1753/55–1824).

КАМИЛЬ КОРО. РИМ. ФОРУМ И САДЫ ФАРНЕЗЕ. 1826