Колористическое решение этой работы типично для зрелого периода творчества мастера, когда светлые и мягкие тона, позаимствованные у Ренуара, доводятся до фовистской экзальтированной выразительности. Помимо палитры на принадлежность Итуррино Гонсалеса к течению фовизм указывает отсутствие в полотне пространства в традиционном смысле этого слова. Земля, на которой расположились девушки, а также река, холмы и лес за их спинами образуют единую плоскость, не разделенную на планы и больше всего напоминающую пестрый ковер. В то же время, по сравнению с таким абстрактным изображением среды, фигуры показаны весьма реалистично. Мастер писал тела с активным использованием светотеневой моделировки, от которой фовисты чаще всего отказывались вовсе.

Робер Делоне (1885–1941) Обнаженная с книгой 1920. Холст, масло. 81,7x93,5

Робер Делоне — французский живописец, который вместе со своей женой Соней стал основоположником стиля орфизм. Это новое художественное направление произрастало из других авангардных течений — экспрессионизма, кубизма, футуризма. В основе орфизма — термин был введен в употребление в 1912 поэтом Гийомом Аполлинером — лежало стремление передать музыкальность ритмов и динамику движения путем изображения простых взаимодействующих форм и использования основных цветов спектра.

«Обнаженная с книгой» является вторым вариантом картины на тот же сюжет, написанной художником пятью годами ранее. Работа из Бильбао показывает прогресс мастера в воплощении идеалов созданного им стиля. Если в первом полотне абстрактный характер геометрических сочетаний носил исключительно фон, а сама фигура девушки сохраняла определенные черты телесности и конкретики, то здесь она также распадается на отдельные цветовые плоскости, вливающиеся в общий геометрический ритм. Цели и формальные приемы живописца близки к установкам группы «Синий всадник», основанной Францем Марком и Василием Кандинским. С последним художник вел переписку, а «Обнаженная с книгой» может напоминать некоторые его композиции, однако Делоне не достигает присущей им предельной абстракции, лишенной узнаваемых форм. Он предпочитает совмещать абстрактное с реальным.

Хосе Мария Уселай де Уриарте (1903–1979) Портрет художника Ланда 1921. Холст, масло. 116x101

Хосе Мария Уселай де Уриарте — баскский живописец, представитель авангарда, один из участников интернациональной «Парижской школы». В его искусстве определенная доля реализма сочетается с отстраненной абстракцией.

Склонность мастера к сезаннизму (течению, образовавшемуся на основе творчества Поля Сезанна и подразумевающему работу с яркими цветовыми контрастами и геометризованными плоскостями) и кубизму отражается в «Портрете художника Ланда». Де Уриарте создает ритмическую гармонию цветовых плоскостей, основанную на рифмованном повторении бирюзового и сиреневого тонов. Он составляет изображение с помощью крайне геометризованных форм, редуцируя значение пространства и объема. Основными в картине становятся не пейзажный фон с деревьями и скалами и даже не сам портретируемый, а сочетания резких линий и треугольников, которыми наполнено полотно. Каждая тень здесь — не эффект света, а самостоятельная фигура на плоскости, существующая вне зависимости от объекта, который ее отбрасывает. В целом произведение рождает ощущение абстрактной композиции с геометрическими предметами.

Даниэль Васкес Диас (1882–1969) Белые монахи. Около 1925. Холст, масло. 145x182,5

В 1918 Даниэль Васкес Диас поехал в Париж, где провел девять лет. Там он познакомился с кубизмом, который показался ему идеальным стилем для художественного выражения. Однако мастер использовал его исключительно в качестве формального средства, сохраняя в картинах лишь часть внешних проявлений кубизма и не поддерживая его теоретические основы, не становясь сторонником «интеллектуального кубизма».

Одним из наиболее важных для творчества Васкеса Диаса художников был Франсиско Сурбаран. Многие критики отмечали сходство эффектов, возникающих в работах их современника и мастера XVII века. Очевидно, что Васкес Диас намеренно к этому стремился. «Белые монахи» — это не что иное, как парафраз картины Сурбарана «Святой Уго в трапезной». Живописец кадрирует его композицию, увеличивая ее масштабы и приближая зрителя к происходящему, практически буквально копирует позы персонажей и, что наиболее значимо, сохраняет монументальность, торжественную тишину и величие, которые характерны для работ Сурбарана. Совмещая приемы своего великого предшественника и кубизма, художник добивается особой пластической выразительности в этой работе. Благодаря ограничению цветовой палитры, придающей эффект ощутимости светотеневой моделировке, и тщательно продуманной композиции его монахи становятся основательными, весомыми — не простыми людьми, а титанами духа.

Густаво де Маэсту Уитни (1887–1947) Равнина в Кастрохерисе. Первая четверть XX века. Холст, масло. 75,5x95,5

Густаво де Маэсту Уитни — баскский художник, учившийся живописи в Бильбао и Париже. Первоначально он работал в стиле испанского костумбризма, в рамках которого изображал сцены из народного быта. Позднее мастер сосредоточился на пейзажах, он создавал их во время путешествий по Испании и другим странам.

Картина «Равнина в Кастрохерисе» отражает типичную для де Маэсту пейзажную технику. Он предпочитает творить широкими и заметными, но в то же время очень спокойными и уравновешенными мазками, придающими композиции плотность и устойчивость. Мастер склонен к написанию камерных произведений, что проявляется как в небольшом формате, так и в композиционном решении. Он пытается всячески сдерживать пространство, не давая ему завладеть изображением. Так, слева и справа живописец ограничивает его деревьями, создавая дополнительное обрамление, а чтобы не допустить слишком быстрого и свободного проникновения взгляда зрителя вглубь полотна к горам, он ставит на пути к ним преграду в виде моста. Но и преодолев ее, взгляд не уходит вдаль, а упирается в горы на заднем плане, сливающиеся с небом, ему уделено совсем немного места. Решенный в одной гамме, практически монохромный колорит, из которого выделяется одна лишь речка, рождает ощущение единства всего, что показано на этой картине: земли и неба, живого и неживого, и придает каждому элементу родство и общность с другими.

Аурелио Артета Эррасти (1879–1940) Аккордеонист. Около 1930–1935. Холст, масло. 114,9x90,5